Semaine 'X'

Du 31 mars au 4 avril, c'est la semaine 'X'. The programme régulier avec sescours journaliers de yoga, ballet, danse contemporaine et ateliers est suspendu pour donner carte blanche à trois artists qui chacun travaillent avec un tiers du groupe de Training: Vera Mantero, Julyen Hamilton et Jérôme Bel. Pendant une semaine, ils introduisent leur groupe dans leur travail, vission artistique and processus créatives. Le travail de Mantero, Hamilton et Bel est extrêmement différent, mails ils représentent trois pratiques uniques et singuliers qui ont eu et continuent d'avoir une grande unfluence sur la danse contemporaine d'aujourd'hui. 
Voici les bios des artistes (en anglais):

Jérôme Bel

Jérôme Bel lives in Paris and works worldwide. nom donné par l'auteur (1994) is a choreography of objects. Jérôme Bel (1995) is based on the total nudity of the performers.Shirtology (1997) presents an actor wearing many T-shirts. The last performance (1998) quotes a solo by the choreographer Susanne Linke, as well as Hamlet and André Agassi.Xavier Le Roy (2000) was claimed by Jérôme Bel as his own, but was actually choreographed by Xavier Le Roy. The show must go on (2001) brings toghether twenty performers, nineteen pop songs and one DJ. Véronique Doisneau (2004) is a solo on the work of the dancer Véronique Doisneau, from the Paris Opera. Isabel Torres (2005), for the ballet of the Teatro Municipal of Rio de Janeiro, is its Brazilian version. Pichet Klunchun and myself (2005) was created in Bangkok with the Thai traditional dancer Pichet Klunchun. Follows Cédric Andrieux (2009), dancer of Merce Cunningham. 3Abschied (2010) is a collaboration between Anne Teresa De Keersmaeker and Jérôme Bel based on The Song of the Earth by Gustav Malher. Disabled Theater (2012) is a piece with a Zurich-based company, Theater Hora, consisting of professional actors with learning disabilities. Cour d'honneur (2013) stages fourteen spectators of the Cour d'honneur of the Palais des Papes in Avignon.      

Julyen Hamilton

Julyen Hamilton was born in England, lived in Amsterdam and is currently living in Girona (northern Spain). His work, both in company and solo, develops dance for the theatre - a place where an atmosphere of transformation, insight and understanding is permitted without resort to thin conclusions. In this ambience dancers and light designer are directed to compose pieces instantly; they practise a process of improvisation in rehearsal and in the moment of performance.Since 1990 he has made more than 100 solos which have been seen all over the world. They are an original interplay between dance, live text, and decor. Each piece is made specifically for each venue thus harnessing the architecture and ambience of the performing arena as forces which support and amplify the inherent themes of the piece.
His present company is based in Brussels, named: 'Allen's Line'. As director of the group, Julyen develops a communal language where movement and text constantly intertwine as they are passed amongst the dancers; it is their way of manifesting a sharing of the imagination.
Hamilton has also been invited to choreograph for other dancers and to collaborate with other directors. HIs teaching work comes straight from the stage experience; it goes deeply into the compositional aspects of creativity through the areas of the physical body, space, time, dramaturgy and voice.

Vera Mantero

Vera Mantero was born in Lisbon in 1966. She studied classical dance until she was eighteen. She worked for five years in the Ballet Gulbenkian, in Lisbon. In New York and Paris she studied contemporary dance technique, voice and theatre, and by then she completely cut with her ballet origins. As a dancer she also worked in France with Catherine Diverrès. She started creating her own choreography in 1987 and since 1991 she has been showing her work in theatres and festivals in Europe, Brazil, USA, Canada and Singapore. In 1999 the Theatre Culturgest in Lisbon organized a retrospective of her work. She regularly participates in international improvisation projects and teaches workshops of creation/composition and improvisation. Since the year 2000 Vera Mantero is dedicating herself more and more to voice and other music projects. In 2002 Vera Mantero was awarded the Almada Prize (IPAE/Ministry of Culture) for her career as a performer and choreographer. She represented Portugal at the 26th Bienal of São Paulo 2004 together with the sculptor Rui Chafes with the co-creation Eating your heart out. In 2007 Vera Mantero co-directed together with Miguel Gonçalves Mendes and edited her version of the film Course of Silence.
For her, dance is not a given fact; she believes that the less she acquires it, the closer she will be to it; she uses dance and performance work to understand what she needs to understand; she sees less and less sense in a specialized performer (a dancer or an actor or a singer or a musician) and more and more sense in an especially trained total performer; she sees life as a terribly rich and complicated phenomena and work as a continuous fight against the spirits' impoverishment, hers' and the others', a fight which she considers essential at this point of history.

 

Franz Erhadt Walther  & étudiants chez WIELS

Depuis février, WIELS organise un expo sur le travail de l'artiste allemand Franz Erhardt Walther. Lors de l'ouverture de l'expo et la Museum Night Fever, un groupe d'étudiants de PARTS a participé à l''activation' de certains de ses oeuvres plastiques. Voici un petit film sur cet évènement: 

Franz Erhard Walther at WIELS from Josete Huedo on Vimeo.

 

Présentation du Sacre du Printemps

Les 24 et 25 octobre, les étudiants de 4ième année ont présenté les résultats d'un atelier de création dirigé par Daniel Linehan. Collaborant avec l'ensemble TWIS du Conservatoire royal de Bruxelles, dirigé par Vincenzo Casale, ils ont créé une nouvelle chorégraphie sur la musique célèbre d'Igor Stravisnky. 


Le Sacre du Printemps - photo Bart Grietens
Le Sacre du Printemps - photo Bart GrietensLe Sacre du Printemps - photo Bart Grietens
Le Sacre du Printemps - photo Bart GrietensLe Sacre du Printemps - photo Bart Grietens

 

Re:Zeitung en tournée

La première de Zeitung, une production de la compagnie Rosas, a eu lieu 2008. Cette production est le fruit d'une collaboration entre les danseurs de la compagnie Rosas, la chorégraphe Anne Teresa de Keersmaeker et le pianiste Alain Franco en quête de l'instable combinaison entre musique et danse, chorégraphie et improvisation, romance et désillusion. Des principes géométriques aux improvisations, Johann Sebastian Bach, Arnold Schönberg et Anton Webern traversent l'historique et vaste gestuelle de la compagnie Rosas. Soit en harmonie soit en différence, tantôt en unisson tantôt en contrepoint ; la musique et la danse ne sont pas traitées sur des plans parallèles ou similaires mais justement, Zeitung est à leur point d'intersection.

En 2013, la P.A.R.T.S FOUNDATION présente Re:Zeitung. Une nouvelle initiative de P.A.R.T.S. offrant des perspectives professionnelles au jeunes diplômés de l'école. Évidemment Re:Zeitung fait référence à la pièce d'origine Zeitung, mais néanmoins propose une nouvelle version de l'oeuvre, cette fois-ci interprétée par une nouvelle génération de danseurs : six jeunes hommes d'origine Brésilienne, Française, Marocaine et Tunisienne. 

En 2011, ces six danseurs avaient déjà abordé Zeitung dans le cadre de leur programme de 3ème année d'études à P.A.R.T.S. lors d'un atelier dirigé par Mark Lorimer. Le résultat de cet atelier fut si convaincant qu'il a été inclut en tant que Zeitung/Fragments dans le programme de la biennale Graduation Tour de P.A.R.T.S. en 2012. D'ailleurs, José Paulo, Louis, Mohamed, Radouan, Renan and Youness ont remarquablement dansé leur version de quarante minutes de Zeitung dans plusieurs théâtres en Belgique, mais aussi à Amsterdam, Utrecht, Essen, Istanbul, Lisbonne et Moscou. 

Après l'accueil très positif de Zeitung/Fragments, P.A.R.T.S. pris l'initiative de renouveler cette production. Celle-ci est maintenant renommée Re:Zeitung. Cette production a été un peu rallongée, assurant dorénavant une soirée complète de 70 minutes de représentation. De nouvelles musiques y ont été ajoutées telles que  Charles Ives, Kurt Weill et Einstürzende Neubauten. Le directeur des répétitions Michael Moya a développé un matériel nouveau à partir des improvisations des danseurs. Le résultat offre une production tout à fait différente sans pour autant trahir l'originale. Alain Franco quant à lui est la charge de la dramaturgie musicale et la chorégraphe Anne Teresa de Keersmaeker conserve la responsabilité globale de la production. 

Les danseurs sont déjà diplômés depuis un an. Mais on peut déjà les voir au travail à Charleroi Danses, à la Needcompany ou bien à Toneelhuis d'Anvers. Ils sont bien entendu employés en tant que professionnels dans ce projet.  

Avec ce projet, la P.A.R.T.S. FOUNDATIO vise un nouveau public. La programmation de Re:Zeitung est complémentaire à la tournée de Zeitung de Rosas. Re:Zeitung est souvent présenté dans des théâtres où Rosas n'a jamais été programmé. De plus, la production sera dansée pour des groupes spécifiques et ciblés tels que les jeunes publics, tout comme les scolaires. C'est pourquoi, un programme socio-éducatif a été développé autour des performances. 

Re:Zeitung sera danser de Septembre à Décembre 2013. Voir à droite pour les détials. Une extension jusqu'à automne 2014 n'est pas exclue.
 

Credits Re:Zeitung

Concept: Anne Teresa De Keersmaeker et Alain Franco
Chorégraphie: Anne Teresa De Keersmaeker
Vocabulaire de la danse: David Hernandez
Directeur de répétitions ‘Re:Zeitung’: Moya Michael, Muriel Hérault
Danse: Louis Combeaud, José Paulo Dos Santos, Youness Khoukhou, Renan Martins de Oliveira, Radouan Mriziga, Mohamed Toukabri
Danse 'Zeitung'  (Rosas, 2008): Bostjan Antoncic, Tale Dolven, Fumiyo Ikeda, Cynthia Loemij, Mark Lorimer, Moya Michael, Elizaveta Penkóva, Igor Shyshko, Sandy Williams
Directeurs de répétions 'Zeitung/Fragments' (PARTS, 2011): Mark Lorimer, assisté par Bostjan Antoncic, Tale Dolven, Alain Franco, Moya Michael, Elizaveta Penkova, Sandy Williams et Sue-Yeon Youn.

Musiques: Anton Webern, Arnold Schönberg, Charles Ives, Einstürzende Neubauten, Johann Sebastian Bach et Kurt Weill
Lumières et techniques: Joris De Bolle 
Manager Tournée: Annelies Van Assche
Production: P.A.R.T.S. FOUNDATION
Coproduction: De Munt/La Monnaie

Le trailer:

 

Performing Arts Training

Dans son programme Performing Art Training P.A.R.T.S. propose une formation intensive dans le milieu de la danse contemporaine. L’art de la danse y est abordé comme un art collectif de la scène.
La formation individuelle en tant qu’artiste prend forme sous l’aspect d’un dialogue entre le groupe et un public. Afin de réaliser pleinement la pertinence de la danse, la musique et le théâtre sont des références nécessaires à l’art de la scène. L’art de la danse se développe dans le monde d’aujourd’hui avec une connaissance du passé mais aussi  un regard sur l’avenir. C’est pourquoi nous attachons une grande importance dans ce programme à la formation théorique.

Au bout des 3 années,  le danseur / chorégraphe à une capacité technique et physique solide, une force d’imagination à trouver sa propre voie artistique.
Le diplômé de la Performing Art Training est prêt à prendre sa place sur le marché du travail et /ou de faire de la recherche axée sur une spécialisation en danse ; il a acquit la théorie et la technique nécessaire.

Nombres d’années d’étude, fréquence, population estudiantine 

Le trajet du cycle Training actuel (nommé Performing Art Training) est prolongé d’une année ; il se fera donc sur 3 ans au lieu de 2 auparavant.
Cela répond à une recommandation de la Commission d’examen (cette commission détermine si le programme des 2 cycles peut se répartir respectivement sur 3 et 2 ans). (Rapport de la commission d’examen PARTS 2010, p 48.)

Il n’y aura donc qu’un seul parcours par 3 ans, respectivement la 1er année est une formation opérationnelle, la 2ème une formation (Training) et la 3ème également une formation (Training). Au bout des 3 années, un nouveau cycle triennal recommence.

Chaque année scolaire débute en septembre et se termine fin juin.

Le cycle Performing Art Training sera composé de 50 étudiants, dont d’après estimations 35 à 40 réussirons. Au début, le groupe d’âge ciblé, des élèves âgés entre 18 et 22 ans. Une formation spécifique préalable n’est pas nécessaire, mais offre néanmoins, vu le nombre de candidats un avantage considérable.

 

Structure de l’année académique :

Chaque année scolaire du programme a un point particulier de travail : La 1ère (Outils), la 2ème (Processus) enfin la 3ème (Performance).

Outils :
Durant la 1 ère année, les bases techniques à la pratique de la danse sont développées. Une matinée journalière commence par 1 h de yoga, suivie de cours techniques en danse classique et contemporaine. Il y a également des cours de base en improvisation, composition, étude du répertoire, chant, rythme et théâtre. Ils sont des éléments constructifs essentiels. Enfin la théorie générale et la théorie de l’art de la danse offre des perspectives.

Processus:
En 2ème année de programme s’ajoute l’aspect de recherche. Le danseur prend conscience de sa propre position dans le domaine. Des tâches de composition, d’étude du répertoire, de théâtre  et autres rendent le danseur confiant de ses propres capacités.

Performance :
Dès la 3ème année, on applique concrètement les connaissances et recherches acquises. En fin de programme triennal, les danseurs / chorégraphes sont prêts à s’engager dans des productions de danse professionnelles, de définir des stratégies de recherche en vue d’une prochaine phase de formation.

 

 

Composition de la formation

Cours de ballet :
La danse actuelle ne peut être comprise pleinement que de par son évolution historique. Le cadre de référence par excellence pour la danse occidentale est la danse classique. Ce qui nous intéresse en particulier est la forte cohérence du ballet. Il offre un bon soutien et fourni les bases nécessaires à n’importe quelle  formation.

Technique de la danse contemporaine :
L’ensemble complet de la technique contemporaine est construite autours de la  «Release» technique post moderne, élément important mais peu systématisé ; il est le pilier de la danse moderne Américaine et Européenne. Le terme global de « release » technique renvoie à des méthodes de formation qui visent sur l’efficacité du mouvement, les caractéristiques structurelles et anatomiques du corps en mouvement et l’utilisation du poids naturel du corps afin de soutenir le mouvement dans l’espace. Le but de ses technologies physiques sont d’élargir les possibilités de mouvement pour agrandir les lignes et les formes dans le mouvement d’expression personnel. Des cours similaires du programme Training se base sur des éléments issus des arts martiaux et développe un  centre énergétique physique fort où le mouvement peut voyager librement  dans tous le corps. Plusieurs leçons abordent l’exploration physique et l’improvisation en tant que composants des cours de danse technique. On approfondit les possibilités de mouvement de l’individu. D’autres cours travaillent sur des phases de danses apprises. En raison de la systématisation limitée de release technique l’importance du choix bien spécifique des professeurs est plus grande. Les enseignants offre une approche variée. On recherche un équilibre organique entre diversité et continuité.

Improvisation :
On débute par des techniques d’improvisation de William Forsythe, cette méthode est basée sur un concept orienté dans l’espace. Plus tard,on développe des modèles de mouvement de David Zambrano ;méthode organique , intuitive et impulsive. L’accent est mis sur le développement d’une sensibilité sensorielle. Dans les ateliers d’improvisation les étudiants sont confrontés avec la pureté de danser ensemble, du contact entre 2 ou plusieurs corps.

Composition :
Les travaux de composition partent toujours d’une matière propre de l’étudiant. On établit d’abord un « vocabulaire », puis on introduit et teste comment  des techniques de matériel de base varient dans le temps et dans l’espace. On analyse comment le matériel reçu peut être structuré par des techniques de construction et de déconstruction. Plus tard, on travaille intensivement avec la relation danse – musique.

L’application de la connaissance de composition se traduit par la création d’un solo et d’un duo.

En fin de formation, le chorégraphe Jonathan Burrows dirige un atelier de composition comme une propre étude de conscience qui trouve sa finalité dans un travail personnel des élèves.

Répertoire :
L’étude du répertoire est une confrontation avec le vocabulaire artistique d’un artiste bien spécifique.. Parts utilise de façon maximale l’opportunité de travailler avec Anne Teresa de Keersmaeker. Un autre sujet d’étude pour chaque génération de Parts est le répertoire de Trisha Brown. On travaille occasionnellement le répertoire de Pina Bausch, de William Forsyte et d’une nouvelle génération de jeunes chorégraphes. C’est un défi pour les étudiants de pouvoir exprimer un vocabulaire fort, développé et imaginatif.

Chorégraphes invités :
On exploite, à travers des ateliers de chorégraphes invités un large éventail d’approches ;la technique , la composition, la dramaturgie de l’artiste invité confronté  à la situation des étudiants eux-mêmes.

Kinés:
Un ajout important à la formation en danse est le yoga quotidien. Le Hatha Yoga et du Zen Do sont également au programme. Les ateliers de Shiatsu (massage par pression) et la série de conférence d’anatomie offre un rapprochement du corps et de l’esprit, ou non seulement la théorie et la pratique orientale sont de la partie mais également la façon de penser et les traditions orientales. Le but ultime est de renforcer les capacités physiques et mentales ainsi que la résistance des danseurs.

Musique :
Pour le chorégraphe chaque musique est un défi. Parce que danse et musique se servent souvent des mêmes éléments de structure, l’étude de la musique est un outil fondamental pour activer la pensée de danse analytique. Des cours de chant et de rythme sont développés pour activer la sensation musicale.

Théâtre :
Dans l’atelier théâtre, l’élève apprend à présenter sa personnalité mise à nue au public. Les danseurs qui sont « acteurs- amateurs  » ont l’avantage d’une certaine liberté. Le travail de la langue, le jeu des rôles, le jeu des mensonges sont libératrices. Cela élargi leur regard sur leurs outils de performance.

Théorie :
Si l’élève veut être actif en tant qu’artiste, s’il veut être plus qu’un seul exécuteur d’idée de quelqu’un d’autre alors il doit entraîner son esprit autant que son corps. Dans le programme de théorie, 2 lignes sont développées :- d’une part la confrontation avec les arts, d’autre part l’histoire de la pensée. Notre approche ne vise ni la philosophie ou la sociologie dans son entièreté, ni la chronologie du théâtre ou des arts visuels. L’objectif est de donner un avant goût aux élèves de ce que peut contenir la théorie, d utiliser des méthodes des approches et des matériaux.

Travail personnel :
Parts offre un maximum d’orientation pour explorer et développer son identité créative. Cette approche est intégrée sous forme de leçons et s’exprime par la possibilité d’un suivi   personnel et d’une présentation de son propre travail au public. La 1ère phase est la création d’un solo et d’un duo. La représentation est totalement libre, l’école prévoit un mentor par projet. La 2ème phase est une propre recherche et/ou un travail de création en petit groupe d’élèves. Un mentor supervise, suit le processus de travail, donne son avis mais ne dirige pas. 

Répétition et représentation :
Le passage du processus d’étude vers la présentation au public est important. PARTS organise de nombreuses représentations pour un petit ou grand public, dans un contexte scolaire et professionnel tant au pays qu’à l’étranger.
 



 

Méthodes d’enseignement :

Heures de cours :
La majorité des heures régulières sont des heures de cours. Grosso modo, le nombre d’heures est équivalent à 95% du nombre d’heures totales d’étude en 1ère année, 90% en 2ème année et environ 75 % en 3ème année. Les cours sont donnés à des groupes de maximum 25 étudiants et minimum 10 étudiants.

Fréquence :
Les leçons du matin ont lieu tous les jours (yoga, leçons de technique). En début d’après midi, des ateliers, de la théorie et de l’analyse de la musique sont au programme. Ils sont donnés en bloc de 1 à 5 semaines. Seuls quelques cours ont lieu sur base hebdomadaire soit le matin, soit l’après midi. En particulier le chant, le rythme et l’anatomie.

Trajectoire des études :
Du fait que les cours sont donnés à plusieurs groupes (2 à 5 groupes), le contenu peut différencié pour un même cours suivant le professeur. Cela peut engendrer à des trajets d’études individuels adaptés.
Il n’est pas loisible à l’élève de choisir librement ses cours ou ses professeurs. Différentes possibilités de changement se font par la supervision du coordinateur pédagogique. Il ne tient non pas vraiment compte des désirs de l’élève mais bien des différents niveaux de formation antérieure. 

Travaux individuels :
En dehors des heures de cours, l’élève à également un grand nombre de travaux personnels à   fournir durant ces 3 années. Cela fait partie du programme d’étude individuel.

Portfolio :
A la fin des études, chaque étudiant  aura son propre portfolio comprenant : un solo crée de façon autonome(solo et /ou duo avec accompagnement de plusieurs musiciens) une représentation devant public d’un travail de répertoire d’Anne Teresa de Keersmaeker , la participation à une création dirigée par un chorégraphe invité, la participation à une création collective avec d’autres élèves.

 

Contribution des études :

Le nombre total d’heures d’enseignement par an sont d’environ 1150 heures. La majorité des heures, sont des heures de cours. Quelques heures limitées sont facultatives. Combinées aux travaux que l’élève doit faire en soirée et le week-end, on en arrive pour une année scolaire complète à +-1600 heures.

Enseignants et orientation :

Enseignants :
PARTS n’à presque aucun enseignant de façon permanente. La plupart travaille free- lance (sur base indépendante). Ils viennent d’ici mais surtout de l’étranger .Il ne sont pas obligatoirement détenteur d’un diplôme pédagogique mais peuvent par contre offrir leur expérience comme artiste. 

Depuis 1995, PARTS constitue son corps enseignant annuellement comme un curateur forme son exposition un festival, une saison théâtrale ; à la recherche de l’information relevante de cet instant avec une connaissance du passé et œil sur le développement artistique à venir./span>

Avec ses 17 années d’expérience, Parts débutera en 2013 avec une faculté, c’est un groupe d’enseignants qui s’engage d’être responsable à former la génération d’étudiants durant ces 3 années. Par exemple la génération XI sera pendant 3 ans supervisé par la faculté 2013-2016. A coté de la faculté, viendront encore de nombreux enseignants invités, comme nous le faisions déjà auparavant. En janvier 2013, la faculté 2013-2016 sera connue de même que les détails du programme de la 1 ère nouvelle année de formation.

Encadrement des élèves :

De part la présence partielle et la diversité des enseignants, il repose sur l’école une grande responsabilité pour assurer le choix des études et garantir la cohésion et les performances.
Un coordinateur pédagogique suit les étudiants de façon quotidienne, il assiste aux cours, consulte les professeurs,  dialogue avec les élèves et en rapporte à la commission d’évaluation.

Mentor Personnel; 

L'étudiant à le choix entre un mentor interne et/ou externe en ce qui concerne tous travaux créatifs(création de solo, de duo et/ou travail collectif).
Idéalement il s'agit d'un artiste qui de par son propre travail amène à l'étudiant, contextualisation et approfondissement.

Livre 'PARTS - Documenting 10 years of contemporary dance education'

 

A l'occasion du dixième anniversaire de PARTS en 2005, l'école a publié un livre pour documenter l'expérience de PARTS. Professeurs, étudiants, anciens étudiants et des observateurs d'extérieurs racontent et réfléchissent sur les différents aspets de l'école: sa mission, son programme, son expérience journalière, ses résulats et so impact dansle monde extérieur. Le livre finit avec un receuil de faits en chiffres surt dix ans de PARTS.

Publié en 2006 par Steven De Belder et Theo Van Rompay, avec le soutien du VGC, la Lotterie nationale et le réseau Départs, qui est soutenu par la Commission européenne. 

Le livre est toujours disponible chez PARTS. Pour l'obtenir, envoyez un mail à Bob Van Langendonck.
Prix: 20 euros plus frais d'expédtion.

top

Semaine 'X'

Franz Erhardt Walther & étudiants chez Wiels

Présentation du Sacre du Printemps

Re:Zeitung en tournée

Performing Arts Training

Livre 'PARTS - Documenting 10 years of contemporary dance education'

 

Agenda 2013-14

Cliquez la date pour plus de détails

 

21, 22, 23 Septembre
Re:Zeitung
Düsseldorf, Tanzhaus nrw (DE) – www.tanzhaus-nrw.de 

8,10,11,12 Octobre
Re:Zeitung
Bruxelles, La Monnaie – www.demunt.be 

15,16,17,18,19 Octobre
Re:Zeitung
Paris, Théâtre de la Bastille (FR) – www.theatre-bastille.com 

22 Octobre
Re:Zeitung
Grimbergen, CC Strombeek-Bever – www.ccstrombeek.be 

24, 25 Octobre
Re:Zeitung
Antvers, De Studio – www.destudio.com 

28 Octobre
Re:Zeitung
Bad-Homburg, Kurtheater (DE) – www.kurtheater-bad-homburg.de 

31 Octobre
Re:Zeitung
Bornem, CC Ter Dilft – www.terdilft.be 

17 Novembre
Re:Zeitung
Gand, CAMPO, – www.campo.nu 

2 Décembre
Re:Zeitung
Rotterdam, Rotterdamse Schouwburg (NL) – www.rotterdamseschouwburg.nl 

6 Décembre
Re:Zeitung
Lommel, CC Adelberg – www.deadelberg.be 

7 Décembre
Re:Zeitung
Grimbergen, CC Strombeek-Bever – www.ccstrombeek.be

13 Décembre
Re:Zeitung
Overijse, CC Den Blank – www.denblank.be 

12, 13 décembre
PARTS@Rennes
Musée de la Danse, Le G arage, Rennes (FR) 

15 Décembre
Re:Zeitung
Auch, CIRCa (FR) – www.circa.auch.fr 

17 Décembre
Re:Zeitung
Saint-Gaudens, Théâtre Jean Marmignon (FR) – www.stgo.fr 

19 Décembre
Re:Zeitung
Albi, Scène Nationale (FR) – www.sn-albi.fr

15, 22 et 29 mars
Student Performances Spring 2014 

18 mai
Journée Portes ouvertes

14 juillet - 15 août
SummerSchool 

test