Research Studios - information générale

Quoi?

Les Research Studios sont un programme pour chorégraphes et dramaturges désirant rechercher et développer leur langage chorégraphique, leurs idées et leurs compétences.
Dans ce programme, travail individuel et recherche collective sont liées. Les participants suivent un programme commun d'atelier, séminaires et master-classes, occupant approximativement 40% de leur temps de travail. En parallèle, ils ont le temps et l'espace nécessaire au développement de leur propre recherche et création ainsi et bénéficient du support d'un mentor.

Chaque édition des Research Studios  a un thème général, développé en trois sessions de 4 mois chacune, où un duo de coordinateurs formule une question de recherche autour de laquelle ils organisent un programme contenant une série d'artistes internationaux, de chercheurs et de professeurs, venant travailler avec les participants pour des périodes allant d'un jour à plusieurs semaines consécutives.

Les sujets de recherche sont destinés à nourrir la pratique individuelle et collective des participants. Ces pratiques ne servent pas d'exemples artistique ou applications des sujets de recherche, mais ils entrent inévitablement en dialogue avec eux.

A côté du programme commun, les participants peuvent travailler à leur propre créations et recherche. Dans les semaines de programme commun, il peuvent utiliser le temps en studio les matins, les soirs et les week-ends et pendant chaque sessions de 4 à 5 semaines qui sont dédiées complètement au travail de création. Les coordinateurs sont les coachs principaux pour le développement des trajectoires artistiques des participants.

Le programme n'offre pas de voies séparées pour les dramaturges. Les dramaturges sont engagés dans toutes les activités mais avec leurs perspective et méthodologies respectives, bien qu'ils puissent collaborer avec les chorégraphes dans leur dans leur travail créatif plutôt qu'être auteur de leur propre performance. Les Studios de Recherche sont un environnement offrant l'espace pour la réflexion dramaturgique et le développement des pratiques dramaturgiques.

Qui?

Les Studios de Recherche fonctionneront avec un groupe de 12 participants, 9 à 10 chorégraphes et 2 à 3 dramaturges. Nous prévoyons des personnes ayant un Master en danse/chorégraphie/Art du spectacle/dramaturgie/études de performance et/ou ayant commencé leur carrière professionnelle.

PARTS recherche des personnes évaluant l'expérimentation et la collaboration, qui sont intéressées à l'association de leur propre recherche au questionnement de sujets proposés et la recherche des autres participants.

Comment?

Les Studios de Recherche pilote #2 s'effectuent en 3 sessions de 4 mois chacune, avec de 6 à 8 semaines de temps de pause entre les sessions. Lors de ces périodes, est proposé un programme à temps plein avec approximativement 40% de master-classes/séminaires/ateliers... (généralement les après-midi, 4 à 5 heures par jours) et 60% de temps de travail individuel

Dans les périodes entre les sessions, les participants peuvent continuer à travailler indépendamment à leur projets dans les studios de PARTS. ??

Le programme n'inclut pas de classes d’entraînement, mais les participants peuvent se joindre aux classes des Training Cycle s'ils le souhaitent.

Research Studios Pilot #2: Choreography - performance - sound - music (25 août, 2015 -> 15 décembre, 

Le programme du pilot#2 est divisé en trois périodes de chacun 4 mois. Chaque période départ d'une question de recherche qui est introduite par les coordinateurs, et qui approche le vaste champ de chorégraphie et musique à partir des perspectives historiques, compositoires, métaphoriques, philosophiques ou créatives.

Dans chaque période il y a des ateliers, séminaires, master classes et conférences, donnés par les coordinateurs et des chorégraphes, théoriciens, compositeurs etc, ainsi que beaucoup de temps de studio pour développer sa pratique chorégraphique, plus ou moins proche du thème de recherche. En général, chaque après-midi il y a 4,5 heures d'atelier ou séminaire, et le reste de la journée peut être utilisé pour préparations, développement du travail personnel, etc. Dans chaque période, il y aura aussi 4 ou 5 semaines complètement dédiées au travail personnel.

La période finale sera conclue avec des présentations publiques des travaux créés pendant le programme. 

Période #1: Polyphony of voices, polyphony of spaces, polyphony of fields - conçue et guidée par Alain Franco et deufert&plischke (25 août - 18 décembre 2015) 

Aperçu de la période #1 (anglais) - biographies des coordinateurs (anglais)

Période  #2: Time and rhythm - conçue et guidée par Bojana Cvejic et Tom Engels (1 février - 27 mai 2016)

Aperçu de période #2 (anglais) - biographies des coordinateurs (anglais)

Période #3: On the musical body - conçue et guidée par Tom Pauwels et Gabriel Schenker (22 août - 15 décembre, 2016), avec la participation des étudiants de l'Advancecd Master musique contemporaine de KASK à Gand. 

Aperçu de période #3 (anglais) - biographies des coordinateurs (anglais)

 

Cluster #1: Polyphony of voices, polyphony of spaces, polyphony of fields

Every art domain has its History, its Historicity and its specificity, and the academic studies have been of course reflecting this evidence over the past decades for modern art forms as it has over the past centuries for the more established ones (f.i the concept of « Fine Arts »). 
When it comes to evocate Dance and Music though, we are dealing with a two-headed domain that has remain present, suggesting that there would be an invariant  of « Dance –Music relations » as it is called. 
A closer look on the matter learns in the first place to beware for invariants….
As a matter of fact, the Dance-Music field must be rather looked at as paradigmatic for staged time-space principles. Whereas Music can be defined in the first place as composed time, Dance can be as to composed space. Dancing on Music has a long tradition : a musical « drive » creates a texture involving ritornello and refrain principles, in most of the cases a stable rhitmic pattern, and creates therefore a « time landscape » where dance can deploy its own pace.

But as soon as we dig into the history of Music, we need to acknowledge developments that – to say it in one sentence – have put a question as to repetition and stability in the first place. 

The autonomisation of composition (i.e of Art altogether) has relaunched  many questions as to the heritage and the relevance of Fine Arts. I want therefore to focus primarily on the conditions of dance and music in the perspective of autonomy and mutual influence and this is by the way something that has been practiced intensively in music : it was called « counterpoint » and has been one of the essential tools to develop polyphony.I would like therefore to « recycle » that appellation and use it as a generic term for my seminar that would like to announce as follow : "Polyphony of voices, polyphony of spaces, polyphony of fields"

More information will be added later

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Cluster #2: Time and rhythm

 TIME OF DANCING - TIME OUT OF PROGRESS - TIME AND POP - TIME-IMAGES IN CINEMA AND DANCE - SOCIAL CHOREOGRAPHY OF RHYTHM - DURATION AND RHYTHMANALYSIS

Hit me with your rhythm stick / Hit me slowly, hit me quick./ Hit me… Hit me now…

The counterpart of the spatial dimension of figure in a geometrical approach to dance are time and rhythm, often foregrounded as the defining characteristics of dance in its dynamic dimension: the rhythmic pattern of the moving body. In the first place, dance owes its conception of rhythm to music: the organization of patterns comprising strong and weak beats within a pace of the flow of time (metric pulse, tempo). The exploration of rhythms and tempi from within time which is regulated by music is then composed with the biological sense of corporal rhythms (e.g. breathing in release technique, walking in pedestrian movement). While it traditionally harks back to the historical marriage between music and dance, rhythm affords an instrument for a study of the parameter of time in a broad, expanded and transdisciplinary sense of artistic practice and critical analysis. For the performing arts as time-based arts, rhythm and time are a matter of composing and manipulating attention and experience; they refer to the relative sensation of time accelerated, contracted or condensed, expanded or dilated, as if time in a metaphysical sense didn’t exist.   

Two additional lines of thought intersect in the problem of rhythm in a wider sense. Firstly, it is the ancient Greek etymology of rhuthmos as “a form of moving” together with the social anthropological perspective of “man as a rhythmic animal” (Marcel Mauss). Secondly, it is “the inextricable link between power and rhythm. What power imposes in the first place is a rhythm (rhythm of everything – life, time, thought, discourse)” (Roland Barthes). Thus, an investigation of rhythm from the viewpoint of bodily movement doesn’t stop at the aesthetic play of sensations in the creation and the spectator’s experience of a dancing body. It passes through all other domains in which the manner of flow – of bodies, language, images, events, noise and intensity – can be observed. Throughout the 20th century, a characteristic expression of homorhythmy has been registered as the blueprint of modern industrial capitalism, most prominently the rhythm of the “human machine” in Rudolph Laban’s study of effort after Taylorism, or the theory of managing workers’ movements on the assembly line. 

Today both performance and work are far from stomping unisono in the same rhythm and cadence. Working and performing in post-industrial post-Fordist society resembles more an attempt to dance ¬ex tempore and conceal a choreographic script or score in improvisation as a form of individuation. The virtuosity of multitasking and nomadism in life and work styles parallels the sophisticated forms of polyrhythmy in contemporary dance and performance. 

We don’t know enough about the rhythms in which we dance, produce, consume, or gather today. It takes a transdisciplinary effort from a heterogeneous set of perspectives to study temporality and develop rhythms beyond those we are familiar with. Therefore, the bloc TIME AND RHYTHM is conceived as an intensive period of research in theoretical study and practical experiment with artists and thinkers who have explored a variety of expressions and problems of time and rhythm in their work. It includes 

- seminars in the theories of time and rhythm: “time out of progress” (on labor and projective time, with Bojana Kunst, Giessen); social anthropology of rhythm (Pascal Michon); time in the philosophy of pop culture (Diderich Diderichsen); time-images in contemporary dance, performance and cinema (Bojana Cvejić, Brussels)

- workshops and  collective studio sessions with choreographers (Eszter Salamon, Nikolina and Goran Sergej Pristaš, Mårten Spångberg, composers (tba) and theatermakers (Tim Etchells)

- creation time of students (5 weeks without curated program)

…time accelerated anachronous circular contemporary contracted dead delayed diachronic dilated disrupted fragmented heterochronous historical hypersynchronized linear ontological organic out-of-joint projective psychological synchronous…

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Cluster #3: On the musical body

In recent decades various choreographers have become interested in musical notation as a means for developing new methodologies. In the opposite direction, composers within 'New Music’ have increasingly been engaging the music-making-body, incorporating physical movement as a material for composition. Given that we now that have a significant body of choreographic works engaging notation and likewise a significant body of music work engaging movement, we can now ask: what can musicians learn from the way choreographers approach notation, and what can dancers learn from the way musicians approach movement? And as choreographers/dancers and composers/musicians are often working together in creating interdisciplinary works, another question is: does the performance of such new works need a new type of performer with skill sets from both mediums? We will explore such issues, investigate a number of works and frameworks, which will serve as the starting point for the creation of new interdisciplinary work.

In his book 'Composing under the skin, The Music-making Body at the Composer's Desk'  (Orpheus Institute Series, 2014) Belgian composer Paul Craenen argues that in classical music the body of the musician, the music-making-body, finds expression through the instrument at the same time that it searches for the expression of the instrument itself; a double sort of expression. states: “The performative dimension of the classical music performance unfolds at the intersection of an expressive extension of the music-making body by means of an instrument, and a music-making body that seeks intimacy with the instrument: a body that wishes, as it were, to make the instrument itself resound optimally". Later on, and of particular interest to us, he writes: "If the performative aspect of playing music should indeed partly be sought in the tension described between expression and appropriation, the resistance of the instrument is no longer to be considered interference to be neutralised: on the contrary, it forms a basis that helps to inspire musical action and reaction." These are thoughts that emphasize the importance of musical performance for the development of compositional praxis insofar as they include a new dimension to the above mentioned double expression: the bodies of the performers.

Craenen’s book traces recent approaches to work focussing on the body within new music composition:
-Obstruction revealing a primitive body: works that constrain the performer (e.g. a keyboardist performing with garden gloves, as in Simon Loeffler’s 'September08' for distorted synthesiser.
-Extreme stimulation or 'overheating': works that radically heighten and extend performer virtuosity to generate a ‘possessed body’ (e.g. a pianist athletically performing with all four limbs, as in Hikari Kiyama’s Kabuki).
-Exhaustion: works that make an ‘unreasonable’ physical demand on a performer, drawing attention to the often increasingly sweaty and out of breath music making body (e.g. Franck Bedrossian’s It, where the musicians lose control as they become increasingly unable to fulfil the required task).
-Synchronisation: performers enacting both physical movement and sound-production to engagecross-arts dialogues (e.g. Matthew Shlomowitz’s Letter Pieces, which couple and decouple, synchronise and desynchronize, action/sound relationships.)
-Instrumental choreography: musical scores denoting the physical actions of a performer rather then an idealized sounding result (e.g. Simon Steen Anderson’s Study for String Instrument, which details the movements of the two hands and may be played on any single stringed instrument)
-Interfacing: works for new electronic instruments such as customised game- controllers, graphic interfaces used for sound-deign, sensors, with new instruments creating new types of virtuosity and music making bodies (e.g. Cedric Dambrain)

A vast array of contemporary choreographers have been producing work that questions anew the old relationship between choreography and music, between movement and sound. The approaches are extremely eclectic in kind and aesthetics. In Xavier Le Roy’s work on Helmut Lachenmann’s music, the musical performance becomes abstracted into a gestural one. In Thomas Hauert’s collaboration with composer Dick Van Der Harst, dance becomes the score for musical composition. In the work of Jonathan Burrows and Matteo Fargion, their bodies often perform in the edge between musicians and dancers bodies. Such choreographic approaches, in combination with approaches coming from new music, redefine the borders and open a new field of relations between movements of sounds and bodies.

This cluster will be developed in collaboration with the Advanced Master Contemporary Music of the Ghent Conservatory (KASK) - it is a joint trajectory for choreogrpahers, dramaturges, composers and musicians.

More information will be added later.

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Research Studios- Premier programme pilote Février-Juin 2015

 

0/ Contexte

A partir de lʼannée 2017, Parts souhaite redéfinir son programme ʻResearchʼ en ʻResearch Studiosʼ : une formation supérieure pour les jeunes chorégraphes, dramaturges et théoriciens. En 2015/2016, le programme va être séparé en deux projets ʻpiloteʼ indépendants : Pilot#1 est un projet dʼune durée de quatre mois basé sur lʼétude de lʼoeuvre chorégraphique dʼAnne Teresa De Keersmaeker ( Février-Juin 2015 ). Pilot#2 est un programme de 12 mois dont le but est lʼinvestigation des relations possibles entre lʼécriture chorégraphique et la musique ainsi que le développement des travaux personnels des participants ( Août 2015- Novembre 2016 ).

Bien quʼils soient tous les deux basés sur la composition chorégraphiques et la musique, ces deux programmes sont indépendants. Il est possible de sʼinscrire pour les deux mais le processus de sélection est distinct et propre à chaque programme. La sélection pour le Pilote n°1 aura lieu en Octobre-Novembre 2014, et celle du Pilote n°2 entre Janvier et Mars 2015.

Le Research Cycle de PARTS sous son ancienne définition a été mis en place entre 2000 et 2014 en tant que programme ouvert directement aux étudiants du PARTS Training Cycle ( alors dʼune durée de deux ans ) , mais aussi aux candidats titulaires dʼune formation supérieure dʼun niveau Bachelor obtenue ailleurs.

Le nouveau programme Research Studios sʼadresse à des participants ayant déjà plus dʼavancement dans leur développement personnel : ils ont terminé leur formation professionnelle dʼun niveau Master ou ils veulent approfondir leurs outils créatifs grâce à cette formation après avoir déjà eu une certaine expérience professionnelle. Alors que lʼancien Research Cycle engageait à la fois des danseurs/ performers mais aussi des chorégraphes/créateurs, le nouveau programme Research Studios préfère se concentrer sur des chorégraphes/créateurs et espère aussi attirer un petit nombre de dramaturges et théoriciens.


1/ Pilot #1 - Etude de lʼoeuvre dʼAnne Teresa De Keersmaeker

La chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker, fondatrice et directrice de PARTS, est une figure incontournable du monde de la danse, sur la scène professionnelle depuis 1982, lorsquʼelle fit ses débuts avec Fase. Four mouvements to the music of Steve Reich, qui est considéré comme une des pierres dʼangle de la danse contemporaine encore émergente en Europe de lʼOuest. Son succès fut rapidement salué internationalement, notamment en tournant dans le monde entier avec la compagnie Rosas, quʼelle fonde en 1983 pour produire sa seconde pièce ʻRosas danst Rosasʼ. Plus de trente ans plus tard, son oeuvre compte plus de 50 pièces, allant du solo à de grandes pièces dʼensemble ( pour plus dʼinformations, cf www.rosas.be ).

La majorité de son travail est construit sur une profonde connexion avec une étude détaillée de la musique, dont le répertoire sʼétend de lʼArs Subtilior médiéval aux classiques tels que Bach et Mozart, jusquʼaux compositeurs contemporains, et touchant aussi le monde de la musique pop, du jazz ou encore de la musique classique indienne.

La deuxième caractéristique de son travail est la constitution intriquée et détaillée de ses chorégraphies, souvent liées de près à la composition musicale auxquelles elles sʼattachent, mais aussi en se référant à de nombreux autres procédés et systèmes de composition.

Depuis 2012, Anna Teresa De Keersmaeker et Bojana Cvejic ( dramaturge, théoricienne et professeur de théorie à PARTS ) ont publié trois volumes dʼune serie de livres ʻ A Choreographerʼs Scoreʼ. Il sʼagit dʼune collection de livres et de dvds dans laquelle De Keersmaeker nous dévoile la composition et les méthodes de travail de certaines des oeuvres ʻclésʼ de sa carrière. Le premier livre est consacré à ses premiers travaux ʻEarly worksʼ à partir de 1980. Le second ouvrage ʻEn attendant/Cesenaʼ , sʼappuie sur un diptyque consacré à la musique médiéval, créé il y a moins de cinq ans. Le troisième volume, publié en Septembre 2014 se plonge dans lʼunivers de pièces de groupe majeures, à savoir Drumming et Rain, créées il y a quinze ans de cela.

Poursuivant lʼintention de cette série de livres, le programme Research Studios Pilot#1 essaye de donner un aperçu détaillé dʼun corpus de travail, et dʼexplorer les moyens dont ces outils peuvent être activés/ ré-utilisés/ transformés dans le cadre dʼautres pratiques artistiques, dʼautres visions artistiques. Le programme Research Studios Pilot#1 nʼest pas un projet de répertoire dont le but est dʼapprendre à interpréter ces travaux sur scène. Ce programme dont le but est dʼeffectuer une étude détaillée et critique de lʼoeuvre de De Keersmaeker, avec lʼintention dʼactiver ces outils dans dʼautres contextes, afin de nourrir le processus de création des artistes y participant.


2/ Programme

Le programme Pilot#1 sera divisé en six unités : quatre unités sʼarticuleront autour de lʼétude dʼun certain nombres dʼoeuvres de Rosas, la cinquième unité consistant en un séminaire philosophique qui aura pour but dʼélargir la problématique de la danse, de lʼhistoire, de la création, en permettant de finaliser les transformations et les inspirations de chaque participant.

Les trois premières unités ont des structures similaires. Chacune dʼentre elles se compose dʼenviron 15 sessions. Pour chaque unité, 5 sessions basées sur les perspectives suivantes seront abordées :

- conférence et discussions sur les méthodes de composition et leurs contextes proposées dans présentation de la série de livres.

- discussions et masterclasses basées sur lʼétude cohérente de la musique des pièces étudiées, comprenant notamment lʼanalyse des partitions ainsi que leur contextualisation.

- sessions en studios où un certain nombre de procédés de composition seront mis en pratique permettant lʼexpérimentation de ces outils.

La quatrième unité présente une structure similaire, mais elle prend comme point de départ le projet Work-Travail-Arbeid, un projet dʼexposition dans lequel De Keersmaeker transpose son oeuvre récente Vortex Temporum dans lʼespace dʼun musée, qui aura lieu durant le programme-pilote au centre dʼart contemporain Wiels, lieu géographiquement très proche de PARTS ( cf. www.wiels.org ).

Dans la cinquième unité, le philosophe et chercheur sur la danse Franz Anton Cramer dirigera un séminaire théorique qui abordera les questions dʼhistoire, du travail dʼarchive, de la danse et de la performance aujourdʼhui. Le but étant de développer une base de connaissance théorique qui permet lʼétude des oeuvres passées et sa relation à la créativité contemporaine et future.

Dans la sixième unité, les participants auront le temps de regrouper un certain nombres de processus quʼils auront commencé à développer dans les sessions précédentes afin de créer les contours dʼun projet artistique et théorique, qʼils présenteront et argumenteront lors de la dernière semaine de travail.

En marge de ce programme, seront aussi proposées des conférences, performances, spectacles, panel de visites et de discussions.

En plus de cela ( ne fait pas partie du curriculum ), possibilité de se rendre au Centre National de la Danse à Paris durant les deux dernières semaines de juin, où est organisée une rencontre avec les étudiants de différentes écoles de danse en Europe, afin de partager des travaux et dʼéchanger des points vue sur la pratique artistique.


3/ Artistes invités et professeurs

La plupart des artistes qui encadreront les sessions du Research Studios sont des danseurs, chorégraphes, compositeurs ou musiciens qui ont unerelation forte et active avec le travail dʼAnne Teresa de Keersmaeker et qui ont développé leurs propres pratiques artistiques à côté de cela.

Pour le moment, les personnes suivantes ont confirmé leur participation :
Théorie : Bojana Cvejic, Franz Anton Cramer
Musique : Thierry de Mey, Alain Franco, Björn Schmelzer, Georges-Elie Octors, Annelies Vanparys
Studio : Johanne Saunier, Ursula Robb, Gabriel Schenker, Mark Lorimer

Les biographies seront publiées prochainement sur la page des professeurs.

Dʼautres noms seront ajoutés après confirmation.


4/ Modèles de travail

Les trois principaux objectifs de ce projet sont la COMPREHENSION- MAITRISEPOSITIONNEMENT, et et se retrouvent de différentes manières tout au long des différents workshops et séminaires.

Compréhension : développer la connaissance des concepts et des pratiques qui en découlent

Maîtrise : être capable dʼutiliser ces concepts et outils, en restant proche du contexte original mais aussi en sʼen éloignant

Positionnement : développer une proposition artistique et théorique critique et individuelle à lʼégard de ces concepts et des pratiques en jeu.

Les sessions de travail prendront la forme de séminaires, masterclasses, workshops ainsi que de travaux individuels et de groupe. Dans la plupart des sessions, une certaine préparation de la part des étudiants est attendue et des travaux seront à développer pour les prochaines sessions (lecture, écriture, développement chorégraphique).

Les sessions de travail collectif se dérouleront lʼaprès-midi entre 13h30 et 18h30.

Le matin, les participants auront le temps de se préparer pour les sessions de lʼaprès-midi ou de préparer certains travaux qui nécessitent plus de temps ou encore de participer aux cours techniques proposés dans le Training Cycle.

Durant les trois dernières semaines du projet, les participants travailleront à la finalisation des travaux demandés et au développement une présentation finale qui tissera tous les liens explorés, en utilisant les aperçus développés durant le programme au service de leur propre travail artistique. Parce que la période de création est courte, le résultat peut être à lʼétat dʼébauches ou de modèles de présentations, plutôt que de présentations complètes.

Lors de la dernière semaine, les résultats seront présentés de manière interne et argumentés parmi les participants et lʼéquipe artistique du Research Studios.


5/ Entraînement régulier du danseur

Les classes techniques ne font pas partie du programme de Research Studios. Les participants peuvent se joindre aux cours techniques du matin proposés dans le cadre du Training Cycle (yoga, Feldenkrais, contemporain, classique) ou bien continuer leur propre pratique qui leur permettent dʼentretenir leur conditionnement et développement. Les professeurs sont notamment Salva Sanchis, Martin Kilvady, Josef Frucek et Linda Kapetanea, Elisabeth Farr ...


6/ Programme spécifique pour les dramaturges/théoriciens

Les participants ayant un profil de dramaturge/théoricien participeront à toutes les sessions de travail, mais lorsque les chorégraphes recevront des demandes de création en studio, les dramaturges/théoriciens collaboreront avec les chorégraphes afin de nourrir et de documenter leur processus de création. La présentation finale aura aussi une définition particulière.


7/ Aperçu du programme Pilot#1

16 Février- 6 Mars _ Etude de ʻA Coreographerʼs Score- Early Worksʼ
9 Mars- 27 Mars _ Etude de ʻA Choreographerʼs Score- Rain/Drummingʼ
30 Mars- 17 Avril _ Etude de ʻA Choreographerʼs Score- En attendant/ Cesenaʼ
20 Avril- 8 Mai _ Projet ʻWork/Travail/Arbeid- Vortex Temporumʼ
11 Mai- 22 Mai _ Séminaire avec Franz Anton Cramer
25 Mai- 12 Juin _ Travail en studio, présentation et discussion


8/ Encadrement

En plus des artistes et théoriciens qui dirigeront les séminaires et workshops, les membres de lʼéquipe de coordination seront constamment disponibles afin de guider les participants à travers le programme, donner des retours, organiser des discussions, etc.. Lʼéquipe est constituée par Alain Franco, Gabriel Schenker et Steven De Belder.

Durant la période de création finale, les participants peuvent aussi travailler avec un coach.

Research Studios pilot #1:  février - juin 2015

Plus d'informations ici

 

Research Studios pilot #2:  août 2015 - décembre 2016

Plus d'informations ici

 

Appel aux participants pour Research Studios pilot #2

Plus d'informations ici

 

 

Biographies of the team of Research Studios Pilot #2

Cluster #1

Alain Franco

Alain Franco studied music at the conservatories of Brussels, Liège, Antwerp and achieved a DEA master in Music and Music history of the 20th century at the IRCAM-EHESS Institute in Paris. From 1989 until 1993 Franco was the permanent conductor of ensemble Champ d’Action and collaborated with Ensemble Modern (Frankfurt), Ictus (Brussels), the National Orchestra of Belgium, the Orchestra of Lyon’s Opera House and Ah Ton ensemble (Oldenburg), among others. He collaborated closely with composers such as Karel Goeyvaerts, Hugues Dufourt, Philippe Schoeller, Serge Verstockt, Kaija Saariaho, Heiner Goebbels, Jonathan Harvey, Enno Poppe, Benoît Mernier, Kris Defoort, Denis Bosse, Walter Hus... 

In addition to his opractice as a musician he developed an original reflection on theatrical issues regarding stage reresentation and practice, which lead him to collaborate with peformers, theatre directors and choreographers, such as Dito'Dito, De Parade, Needcompany, Anne Teresa De Keersmaeker, Meg stuart, Romeo Catellucci, Isabel Schad, Loïc Touzé, Etienne Guilloteau, Benajmin Vandewalle, deuffert@plischke and others. He co-authored the piece 'Zeitung' with Anne Teresa De Keersmaeker in 2007.

He has been teaching at the Akademie der Künste and HZT in Berlin and at PARTs in Brussels. 
In 2014-15, he works on a 5-part lecture performance series for the Volksbühne Berlin, the performance of the entirety of 'Das Wohltemperierte Klavier' of JS Bach, and different other projects in Brussels, Berlin and other places.

 

deufert&plischke

Kattrin Deufert and Thomas Plischke have been pursuing their goal of a new epic theatre since 2001. Their work as the artistwin deufert&plischke is equally at home in museums and other spaces as in theatres. Recent projects developed with artist and theorist friends include the »Anarchiv« series (2008-11 in varying locations, including Brussels, Hamburg and Vienna), »Emergence Rooms« (2010, in Vienna, Hasselt and Stuttgart amongst others) and »Entropisches Institut« (2012 in Berlin, Sofia, Mülheim and Hamburg). deufert&plischke have been lecturing at art academies in Germany and abroad for eleven years. They have been senior lecturers in Dance, Context, Choreography (B.A. course) at the Inter-University Centre for Dance Berlin (HZT) from 2010-2013. 

www.deufertandplischke.net

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Cluster #2

Bojana Cvejic

Bojana Cvejić (Belgrade) is a performance theorist and performance maker based in Brussels. She is a co-founding member of TkH editorial collective (http://www.tkh-generator.net) with whom she has realized many projects and publications. 
Cvejić received her PhD in philosophy from the Centre for Research in Modern European Philosophy, London and MA and BA degrees in musicology and aesthetics from the Faculty of Music, University of the Arts, Belgrade. 
Her latest books are Choreographing Problems: Expressive Concepts in European Contemporary Dance and Performance (Palgrave, forthcoming), Drumming & Rain: A Choreographer’s Score, co-written with A.T.De Keersmaeker (Mercator, Brussels, 2014), Parallel Slalom: Lexicon of Nonaligned Poetics, co-edited with G. S. Pristaš (TkH/CDU, Belgrade/Zagreb, 2013) and Public Sphere by Performance, co-written with A. Vujanović (b_books, Berlin, 2012).
She has been (co-)author, dramaturge or performer in many dance and theater performances since 1996, with a.o. J. Ritsema (Verwantschappen; TODAYulysses; Pipelines, a construction; knowH2Ow; Cocos, Breeding, Brains and Beauty), X. Le Roy (Mouvements für Lachenmann, The Rite of Spring, More Mouvements für Lachenmann), E. Salamon (And Then; Tales of the Bodiless), M. Ingvartsen (It’s In The Air; The Artificial Nature Project, 69 Positions), C. De Smedt (Untitled [Four Choreographic Portraits]). She directed five experimental opera stagings, most notably Don Giovanni at BITEF, Belgrade, 2008. 
Cvejić teaches at various dance and performance programs in Europe and has been recently appointed as Professor of Philosophy of Art for the doctoral studies at Faculty for Media and Communication, University Singidunum in Belgrade. 
Her latest works are videos …in a non-wimpy way… and Yvonne Rainer’s WAR (in collaboration with Lennart Laberenz) for the exhibition Danse Guerre at CCN Rennes (she co-curated with Cosmin Costinas 2013) and Spatial Confessions at Tate Modern (2014), the program she curated and made choreography, conference and performance for (in collaboration with a.o. Christine De Smedt). 
Her current research topics are social choreography, technologies and performances of the self, and time and rhythm in performance poetics and Post-Fordist modes of production. 

 

Tom Engels

Tom Engels (BE) holds a Master’s degree in Art Science from the Department of Theatre, Performance and Media Studies of Ghent University and studied Choreography and Performance at the Institute for Applied Theatre Studies in Gießen. He worked for and with artists like Antonia Baehr, Eszter Salamon, Rodrigo Sobarzo, Sidney Leoni, An Kaler, Petra Sabisch, a.o. Since 2012 he is a member of the artistic board of Sarma, the Brussels-based laboratory for criticism, dramaturgy, research and creation, of which he became the artistic director in 2015. In collaboration with Trajal Harrell and Thibault Lac he is preparing the publication Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (XL). He is also a guest lecturer at the School of Arts (KASK) in Ghent.

www.sarma.be 

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Cluster #3

Tom Pauwels (Bornem, Belgium, 1974) studied classical guitar in Brussels, Köln and Münster with Albert Sundermann, Hubert Käppel and Reinbert Evers respectively. 
In 1995, during his studies at the Brussels Conservatory, he was involved in the founding of Black Jackets Company, a Brussels collective of composers and performers. Ever since these early experiments he has been active in the field of contemporary music, both on classical and electric guitar. From 1999 until 2001 he was a regular member of Champ D’Action, the Antwerp-based ensemble for experimental music. Since 2002 he has worked as a performer and co-artistic leader for the new music ensemble ICTUS (Brussels). Project-wise, he performs with the Anglo-Belgian octet Plus-Minus, ‘Elastic 3’ and Letter Piece Company. He has recorded works by Craenen, Lachenmann, Shlomowitz, Van Eycken and for Cyprès (Ictus) works by Oehring, Harada, Romitelli and Aperghis. 
After a five year research project on new music for guitar he became a ‘Laureate of the Orpheus Institute’ with the thesis ‘De Echo van ‘t Saluut’. Since 2002 he has been in charge of teaching new music for guitar at the Conservatory of Gent where he has developed an advanced master program with emphasis on contemporary chamber music in collaboration with the Spectra ensemble and Ictus. This program is designed for musicians wishing to combine further specialization in performing contemporary solo & chamber music with developing their professional career (more info here). He is teaching guitar at the International Summer Courses in Darmstadt.
His broad interest in performance has recently led to collaborations with choreographers as Xavier Leroy (see ‘Mouvements für Lachenmann), Maud Le Pladec (see ‘Professor’ and 'Poetry') and Andros Zins-Browne (The Funerals)

www.ictus.be

Gabriel Schenker was born in Washington D.C., raised in Rio de Janeiro, and lives in Brussels for the past eleven years. Interested in movement and the arts from an early age, Gabriel practiced a variety of sports regularly, played instruments, and was brought by his parents to see theater, dance, concerts, and exhibitions. At the age of 14 he was fortunate to encounter dance through an invitation of a cousin that was participating in a group of Israeli Folk Dance. Gabriel fell in love with it and spent the next couple of years completely immersed in the world of folk dancing until deciding, at the age of sixteen that dance was what he wanted to do. After a year of taking classes on a variety of dance and circus styles, he joined the ‘Cia. Deborah Collker’ in Rio de Janeiro as an apprentice first, and later as a regular dancer.
After working with Deborah Colker for three years, Gabriel Schenker flew to Europe in search of an expansion of his artistic horizons. After a series of travels, classes, workshops, and auditions, he opted for studying at P.A.R.T.S. where the varied program including disciplines such as philosophy, shiatsu, as well as creative workshops, seemed like the perfect option. After four years at P.A.R.T.S. he co-founded the collective Busy Rocks with whom he created and performed a variety of works such as Dominos and Butterflies and Throwing Rocks with extensive touring up until 2014. Since leaving studies, Gabriel also has collaborated as a performer with a variety of choreographers such as Eleanor Bauer, Robin Jonsson, Doris Stelzer, and Alexandra Bachzetsis. More steadily, he has collaborated with two choreographers: Anne Teresa de Keersmaeker/Rosas, in the creation of Cesena, replacing in Zeitung, and the museum version of Vortex Temporum (2015); and Thomas Hauert/Zoo with the creation of You’ve Changed, Mono, and replacing in Accords. Next to those activities, Gabriel also engaged in a MA program at the European Graduate School which culminated in his philosophical dissertation Organic Texture: A Dialogue between Deleuze and Guattari, the Life Sciences, and Catherine Malabou. The dissertation was accepted ‘with distinction’ and has been published by Atropos Press. This philosophical work was developed in tandem with an artistic research that culminated with the development of a dance-speech score entitled Moving~Thinking.
In addition to his artistic and philosophical practices, Gabriel has been more and more involved with different pedagogical projects. He is a certified Pilates instructor and has taught Pilates at Rosas, Zoo, P.A.R.T.S., and Manufacture in Lausanne. He also taught dance classes, most notably an open workshop at the Raffinerie, and a workshop for the MA students of New Performative Practices at DOCH/Stockholm. More importantly, he has been assisting Thomas Hauert in the development and coordination of a new three-year BA in Contemporary Dance at the Manufacture/Lausanne, and has been collaborating with Alain Franco and Steven Debelder to develop a new two-year long pilot project at P.A.R.T.S. entitled Research Studios.

gabrielschenker.tumblr.comhttp://www.atropospress.com/publications/organic-texture/

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